BARCOS EN EL PUERTO DE COLLIURE ANDRE DERAIN

BARCOS EN EL PUERTO DE COLLIURE 1905

Barcos en el puerto de Colliure

óleo sobre lienzo 38 x 46 cm

Royal Academy of Arts

André Derain ( 1880-1954 ) asistió a un curso de bellas artes en la Acadèmie Carrière de París ,donde conoció a Henri Matisse . Fue bajo la tutela de este último que Derain se introdujo en la obra de Signac y Seurat y aplicó a su arte las aportaciones de los simbolistas y los neoimpresionistas .

Barcos en el puerto de Colliure fue pintado durante el verano de 1905 , cuando Derain junto  con Matisse, trabajaba en este pequeño puerto pesquero mediterráneo . Si bien se sirvió en este lienzo de un tema tradicional , los colores brillantes, aplicados en bloques fragmentados ,debieron aparecer inacabados y hasta torpes al público contemporáneo , pero para Derain constituían el medio más eficaz de transformar el efecto de la luz brillante en que el contraste  tonal ha desaparecido por completo.

En 1906 encargaron a Derain una serie de paisajes urbanos de Londres , entre los cuales pintó escenas del río Támesis que recuerdan las obras de Monet de dos décadas antes , paisajes  fluviales que fueron interpretados por el artista . Si bien era un sorprendente tradicionalista, Derain influyó en los fauvistas , un grupo que puso los cimientos del expresionismo abstracto 

Tamara Tamaral

29-10-2014

Bibliografía ; 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo

HOMBRE SECÁNDOSE LA PIERNA GUSTAVE CAILLEBOTTE

HOMBRE SECÁNDOSE LA PIERNA 1884

Hombre secándosr la pierna

óleo sobre lienzo 100 x 125 cm

París, Galerie Brame Lorenceau

Un hombre acaba de salir de la bañera . Se le ve desnudo a la izquierda del cuadro , sentado en una silla y estirando la pierna izquierda, que apoya sobre el borde de la bañera para poder secársela mejor con una toalla. El cuarto, bañado de luz, se representa en esta perspectiva aguda tan típica de la mayoría de las pinturas de Caillebotte.

Para el observador actual , el motivo de género de un desnudo masculino en el acto de secarse es la instántanea de una actividad totalmente ordinaria, cotidiana. Cabe mencionar que Caillebotte varió el tema del hombre en el baño en varios cuadros . En todos ellos se refleja  una calidad erótica , casi físicamente palpable . Esto llama mucho la atención , pues Caillebotte componía estos desnudos también con una paráfrasis de los estudios anatómicos " clásicos " ,   tiene la tentación de asociar un ejemplo contemporáneo de 1884, de una figura de pie en el baño, con un guerrero que podría haber sido representado por el pintor neoclasicista francés Jacques-Louis David (1748-1825 ) . Por el contrario , la atlética figura , sentada en su compleja postura , tiene distantes reminiscencias del repertorio del movimiento desarrollado por Miguel  Ángel para los soldados en el baño representados en el fresco ( perdido ) de La batalla de Cascina a partir de 1504.

En la Historia del Arte hay muchas representaciones de cuerpos masculinos desnudos: pero entre los héroes griegos , los guerreros caídos , dioses e imágenes de Cristo no existe hasta ahora ningún hombre en el baño. El baño y todo el ámbito de" hacer el aseo " vestirse, peinarse, etc, estaba reservado a las mujeres . Entre los impresionistas , la mujer en el baño ocupó un puesto importante. Solo Degas dedicó más de 200 obras a este motivo, Caillebotte , un admirador de Edgar Degas, poseía dos de ellos en su propia colección.

El cuerpo humano se presenta en un contexto nuevo , con lo que se cuestiona la división de papeles : hasta finales del siglo XIX , el hombre aparecía como conquistador , como la figura dominante en todos los níveles de la vida privada y social. Al comenzar la modernidad , el movimiento de emancipación de las mujeres y la imposición social de valores y normas burguesas como la limpieza y la higiene corporal , el papel masculino se puso en cuestiónos hombres de Caillebotte son modernos ya solo por el hecho de poseer una bañera , en  aquel entonces una novedad absoluta en el ámbito privado, , que solo estaba al alcance de las clases medianas superiores.

Tamara Tamaral

27-10-2014

Bibliografía ; 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo

ELENA CON TÚNICA AMARILLA JOAQUIN SOROLLA

ELENA CON TÚNICA AMARILLA

ELENA CON TÚNICA AMARILLA

óleo sobre lienzo 112 x 82

Museo Sorolla, Madrid

Un retrato que se sitúa en la linea compositiva más tradicional . Con dieciseis años , Elena era una mujer joven y en el retrato priman los valores de la belleza , modernidad y elegancia . La túnica amarilla es un grupo de pinceladas cálidas que con su direccionalidad definenel movimiento del cuerpo ; también a base de brochazos y pinceladas está resuelto el abrigo del que se ha despojado , en tanto el fondo es un ocre parduzco casi plano .

Muy terminados en cambio está el rostro, los brazos y las manos , las partes que se exhiben desnudas ; hemos encontrado a menudo a Sorolla ese contraste por el que las telas y los vestidos son depositarios del movimiento de las pinceladas y los brochazos , en tanto las carnes desnudas se modelan más y emergen como por encanto del plano del cuadro .

La cara de Elena es aquí estática , en perfecta actitud de pose , con una expresión de inasequibilidad y distancia ; el valor que resalta por encima de cualquier otro esla feminidad.

Tamara Tamaral

27-10-2014

Bibliografía : Sorolla, Begoña Torres González , Edic Libsa

EL TALLER DE BAZILLE FREDERIC BAZILLE

EL TALLER DE BAZILLE 1870

EL TALLER DE BAZILLE
óleo sobre lienzo 98 x 128 cm
París , Musée d´Orsay

Procedente de una familia de notables de Montpellier, Bazille se instala en París en 1862 para seguir estudios de medicina antes de optar por la pintura. En el taller de Charles Gleyre, entabla amistad con Monet, Renoir y Sisley que comparten su admiración por Manet. El taller de Bazille deja entrever las relaciones y la intimidad que unen a estos artistas precursores.

La escena está ambientada en el taller de la calle de La Condamine que Bazille comparte con Renoir del 1° de enero de 1868 al 15 de mayo de 1870. En el centro se encuentra Bazille, con la paleta en la mano. Pero como él mismo lo escribió en una carta a su padre: "Manet me ha hecho a mí mismo". Reconocemos en efecto el vigor de la ejecución de Manet en la alta y esbelta silueta del joven. Manet, precisamente, con sombrero, observa el lienzo colocado encima del caballete. En la derecha, Edmond Maître, amigo de Bazille, está sentado frente al piano. Por encima de él, un bodegón de Monet recuerda que Bazille le ayudaba económicamente mediante compras de cuadros.

Los tres personajes de la izquierda son más difícilmente identificables. Se puede tratar de Monet, de Renoir o también de Zacharie Astruc... Rodeando a Manet y a sus admiradores, algunos de sus cuadros rechazados por el Salón como El aseo (Montpellier, museo Fabre) encima del diván y El pescador y el gavilán (Zúrich, Fundación Rau) en la izquierda, arriba, o también seguramente un "paisaje con dos personajes" rechazado a Renoir en el Salón de 1866 (el gran lienzo enmarcado a la derecha de la ventana). Bazille exterioriza sus críticas respecto a la Academia y afirma su propia visión del arte. Pocos meses más tarde, su muerte durante los combates de la guerra franco prusiana convertiría esta obra en un emocionante testamento.

                                                               Tamara Tamaral

                                                                 27-10-2014

Bibliografía ; 1001 Pinturas que hay que ver antes de morirse, Edic Grijalbo

EL SENA EN ARGENTEUIL GUSTAVE CAILLEBOTTE

EL SENA EN ARGENTEUIL 1892

El Sena en Argenteuil de Gustave Caillebotte

óleo sobre lienzo 54 ,3 x 65 ,2 cm

Adquirido por Sterling Clark

CAILLEBOTTE que se había licenciado en derecho antes de dedicarse a la carrera de artista , fue el impresionista urbano por  excelencia. Su repertorio incluye toda la  gama de escenas de género, retratos y  naturalezas muertas, pero es más conocido  por sus pinturas del París moderno, con sus grandes plazas , edificios imponentes y  la vida intensa de sus avenidas .

 Sus composiciones más innovadoras están centradas en habitante de la  metrópoli ,tanto en el burgués que pasea como el obrero que ejerce su  oficio. Su interés por retratar temas  rurales emerge en los años ochenta y noventa , después de su mudanza desde la capital a Petil Gennevilliers, una pequeña ciudad a orillas del Sena cerca de Argenteuil, a algo más de  diez kilómetros al noroeste de París . Desde la década de 1870 , la zona había proporcionado mucho de los motivos  favoritos de los impresionistas en especial Claude Monet, y Édouard Manet , que en algunos períodos vivieron en esta zona.

Para El Sena en Argenteuil , Caillebotte instaló el caballete aguas arriba de su casa mirando a través del río hacía Argenteuil . Una de las motivaciones del artista para este emplazamiento fue su entusiasmo por la naútica, tanto el remo como la vela,actividades que allí disponían de un espacio adecuado, dada la gran extensión del Sena en este punto. 

La vista de Caillebotte pone de relieve este hecho geográfico, pero, en este caso, como también en otras pinturas no incluye a  navegantes ni a remeros. El artista dirigió su atención, en cambio, a la ciudad de  Argenteuil, en la orilla opuesta especialmente a las fábricas cuyas chimeneas interrumpen la linea del horizonte. Estos signos de industria en el paisaje rural constituyen los temas deotras telas, en las que se puede ver fábricas desde cierta distancia o un pùente de hierro que cruza el río

Esta integración de la modernidad en un armónico conjunto rural o suburbano era típica de algunos amigos impresionistas como Monet o Pissarro .En la pintura de la colección Clark , Caillebotte relegó este aspecto al horizonte lejano, dando a gran parte de la composición las formas naturales de la orilla de un río en primer plano y del área densamente boscosa en segundo plano a la izquierda . De hecho, la chimenea de la fábrica , en este caso probablemente un astillero, se introduce con levedad en la que la gran extensión de cielo de verano y el humo que emana de ella se fusiona a la perfección con las nubes.

Como era típico en Caillebotte , su dominio de la materia es enérgica y variado. El primer  plano está realizado con pinceladas densas y el empaste da a la hierba de la orilla una consistencia vigorosa . Más impresionante e indicativa de la rapidez con la que era capaz de completar una composición , es la representación del río , compuesta de diferentes matices de azul cobalto y blanco , a menudo entremezcladas y aplicadas con celeridad. A pesar de que algunas nubes están pintadas con cierta pesadez en el cielo, realizado con sutileza , son visibles porciones blanquecinas del lienzo descubierto , que dan más cuerpo a los azules y los blancos.

Tamara Tamaral

27-10-2014

Bibliografía : Colecc Sterling Clark Museo del Prado

ODALISCA CON MAGNOLIA HENRI MATISSE

ODALISCA CON MAGNOLIA 1923-1924 

Odalisca con magnolia

óleo sobre lienzo 64x81cm

colección privada

Con la serie de Odaliscas  Matisse se propuso prolongar a su manera el fauvismo, dándole una apariencia más calmada mediante un dibujo más riguroso . En una de sus anteriores pinturas Odalisca con pantalón rojo  es un ejemplo muy claro de que la brasa del Fauvismo no se ha apagado aún en Matisse .

La novedad en esta Odalica con magnolia y otras que le seguirán a esta Matisse ha realizado una serie de innovaciones que han derivado en una decoración oriental en una esquina de su estudio precisamente:una mampara morisca, colgaduras árabes y algunos objetos traidos de Marruecos . El arabesco femenino se destaca en todo su esplendor , la relación entre figura y fondo es dominante. Las volutas remiten al cuerpo , los colgantes, telas,flores y listas no son pura decoración ,más bien tienden a parecerse a las miniaturas persas .

Lo cierto es que Matisse presta menos atención al orientalismo que en el propio Oriente, más enel objeto que sus atributos 

Tamara Tamaral

26-10-2014

Bibliografía Henri Matisse, Edic Taschen

MÚSICA HENRI MATISSE

MÚSICA 1909

Música

óleo sobre lienzo 115 x 115, 1 cm

Allbright Knox Arte Gallery, Bufalo

Resulta curioso la fascinación que sentía Matisse por pintar con mucha frecuencia Odaliscas de todos los tamaños , posturas y adornos diferentes . Era como si llevase dentro de él una inquietud y un hechizo y que él manifestaba a través de las odaliscas .

Así pues, Matisse no pinta más que mujeres que son de su gusto . Raros son los pintores que han podido legar a la posteridad un ideal femenino . Después de Boticelli y Piero della Francesca , hubo que esperar algún tiempo a Veronese y Tintoretto. El siguiente fue Ingres, cuyo ideal estaba centrado en la vieja antigua representación del eterno femenino .

Matisse permite reconocer en su obra un tipo de mujer mucho más allá de un ideal personal , el tipo de mujer de toda una época , comparada a las criadas de Renoir o a las bailarinas de Degas .Este ideal es en cierto modo un magnífico reflejo de aquella época , tendente a lo intemporal , a la manera de Proust , por la representación de la propia época. Al principio tenía un único ideal su propia mujer, que pintó de todas las formas posibles, disfrazada con una mantilla española o con los más extravagantes sombreros.

Poco a poco, prosiguiendo su trabajo de esteticista Matisse nos ha dado una nueva Eva de piernas largas, muslos redondeados , cintura de avispa y senos pronunciados , que a través de superficies regulares de color y de arabescos transmite el eterno deseo del hombre.

Si no se concibe un paraíso sin diosas, aún menos sin música. Una música que es, sobre todo, fuente de calma Con la Música ( 1909 ) Matisse anuncia los dos elementos indispensables e introduce al mismo tiempo una nueva temática , la pareja femenina que le va a servir para oponer dos modelos de actitudes , dos vestidos diferentes . Una especie de desdoblamiento femenino con un deje de Madame Bovary : la estructura perfectamente ordenada es resultado de la transformación personal efectuada por Matisse en el dibujo ingresco , claramente apreciable en el Retrato de Mademoiselle H D y en la Dama de azl.

Con Música Matisse hace un nuevo giro y vuelve a los contornos claramente marcados de los desnudos monumentales del período 1907-1917 , lo cual demuestra una vez más que Matisse combina pasado y presente y no se cansa de explorar el mismo tema en todas susformas posibles.

Tamara Tamaral

26-10-2014

Bibliografía : Henri Matisse, Edic Taschen

MUCHACHAS CON LAUREL ROSA GUSTAV KLIMT

MUCHACHAS CON LAUREL ROSA 1890-1892

Muchachas con laurel rosa 
óleo sobre lienzo 55 x 128, 5 cm
Colección Ella Gallup Summer , Conneticut

Nos encontramos ante un ejemplo excepcional en la producción artística de Gustav  Klimt. Aunque tanto el formato horizontal como el estilo artificiosamente oniríco son unos elementos inexistentes en estos primeros años. ya se muestra la incipiente reorientación del arte del pintor desde las formas académicas iniciales hasta el Simbolismo de la madurez.




Durante estos años Klimt se vio inmerso en la investigación y documentación de diversas períodos históricos que le exigieron trabajos como la decoración de los paneles de la escalera del Kunsthistoriches Museum de Viena. Su obra , aún fuertemente vinculada a la tradición normativa , discurría por los cauces del historicismo que pronto vería desaparecer.

Isabel de Aragón,1488 ( Francesco Lausana )
Kuntshistoriches Museum, Viena 

Este contexto es el que explica que sean dos las fuentes en las que el pintor se basó  para concebir este cuadro. Por un lado, el busto de Isabel de Aragón realizado en 1488 por el escultor renacentista Francesco Lausana ( 1450-1502 ) . El tocado , las  vestimentas y la serenidad desprendida por el rostro de la joven en primer término  muestra la extrapolación del retrato real inmortalizado cuatro siglos antes . Por otro lado, el conocimiento de un contemporáneo muy vinculado a la exaltación de los  sentidos en el mundo grecorromano: el pintor prerrafaelista Sir Lawrence Alma  Tadema ( 1856-1912 ) En obras como El laurel ( 1882 ) o Rivales inconscientes (1893 ) , el tema de los jóvenes deleitándose con flores exóticas en ambientes antiguos evidencia su legado en la pintura del vienés.


La importancia de este lienzo como puente hacía la etapa simbólica por la que Klimt  se haría famoso puede apreciarse en artistas como el simbolista Fernand Knoppf, cuya Ofrenda ( 1891 ) , de formato horizontal y con la arquitectura clásica como  escenario, corrobora en su paralelismo temporal la apertura europea hacia una nueva época artística.

Tamara Tamaral

25-10-2014

Bibliografía : Gustav Klimt, Edic Taschen

MOTEL EN EL OESTE EDVARD HOPPER

MOTEL EN EL OESTE 1917

Motel en el Oeste

óleo sobre lienzo 76,8 x 127,3 cm

New Hawen ( Coneticut )

Yale University, Art Gallery

Aquí Hopper trabaja con una visión extraña de una ventana. Ante una ventana excesivamente grande de un motel se extiende un fondo típico del Oeste . La mujer sentada en la cama , sin embargo, no está vuelta hacía el paisaje , sino hacía el observador.En el conjunto de la composición, esta mujer parece un retrato delante de un fondo petrificado en cuadro. Pero, de una manera bastante llamativa , en esta escena de motel , se mezclan momentos de rigidez con otros de movimiento.

Es cierto que a primera vista las señales de movimiento -el coche y la carretera- están desprovistos de dinámica por la actitud rígida de la mujer , que es el centro del cuadro . Sin embargo, en contraposición, la luz que innunda la habitación da vida a sus colores cálidos en la misma medida que congela el paisaje ante la ventana.  Mientras el interior sugiere movimiento,la visión del paisaje americano se convierte en mirada sobre un decorado comparable a la visión de la ventana en Compartement C y la imagen de la pantalla en New York Movie.

Rigidez y movimiento caracterizan este cuadro caracterizan este cuadro también en un sentido psicológico : el capó hiperdimensional del coche grande aparcado ante el hotel , capó que parece crecer desde el centro del cuerpo rígido de la mujer , es un símbolo fálico. Aquí se manifiesta una técnica de representación que Hopper perfeccionará en sus cuadros posteriores La mirada a la naturaleza equivale a mirar un decorado, un ámbito perdido ; evoca el sueño de una América pasada y el recuerdo de un encuentro inmediato entre la naturaleza y civilización , tal como es la experiencia característica de la civilización técnica en el nuevo mundo.

Los citados motivos , que enlazan cada vez más estrechamente las pinturas de Hopper unas tras otras , dejan una huella psicológica , son signos de deseos corporales latentes , inscritos en la experiencia y percepciones de la vida americana Las imágenes de conforntación de naturaleza y civilización , las imágenes del recuerdo de anteriores formas de experiencia de la naturaleza y de la vida , nos hablan de una represión del cuerpo en el proceso de civilización.

 

Tamara Tamaral

25 -10-2014

Bibliografía : Edward Hopper, Edic Taschen

MADAME MATISSE HENRI MATISSE

 Madame Matisse 1905

e

Madame Matisse 

óleo sobre lienzo 42,5 x 32,5 cm

Museo : Statens Museum de Copenhagen

 

En el Salón de Otoño de 1905 los cuadros de Matisse, Derain, Vlaminck Marquet y otros fueron instalados juntos en una misma sala, espantando al público y a los críticos que empezaron a denominar al grupo "fauves"los fieras, por la estridencia del color. En esta línea inicial del fauvismo debemos incluir este retrato de la esposa del pintor, subtitulado la LíneaVerde por la intensa tonalidad que apreciamos en el fondo

. Madame Matisse aparece tocada con un elegante sombrero, girada en tres cuartos y dirigiendo su profunda mirada hacia el espectador. El intenso colorido se convierte en el protagonista, aplicado con largas y empastadas pinceladas que recuerdan al impresionismo. Los colores son arbitrarios, rompiendo con la estructura habitual del color, siguiendo a Cèzanne. Así, en el rostro de la dama apreciamos toques de color lila, verde, azul o amarillo. El resultado es una obra cargada de elegancia e intensidad, en la que el espectador disfruta de la estridencia tonal que identifica el estilo fauvista, y especialmente de Matisse.           

 

Tamara Tamaral

25-10-2014

Bibliografía : Henri Matisse, Edit Taschenº

LUZ DEL SOL EN UNA CAFETERÍA EDWARD HOPPER

LUZ DEL SOL EN UNA CAFETERÍA 1988

Luz del sol en una cafetería

Óleo sobre lienzo 102,2 x 152,7

New Haven ( Conneticut ) Yale University

En este cuadro Luz en una cafeteria Hopper vuelve a retomar uno de sus temas favoritos , la soledad de los individuos . El hombre que está sentado a la derecha no mira a la mujer que tiene frente a él , sino que parece mirar hacía el exterior , pero su mirada parece ausente y, mientras tanto ella mira de reojo porque parece tener miedo de establecer una comunicación -aunque esta sea sólo visual.







La luz que da en la cafetería perfila con mucha fuerza la secreta linea de separación entre dos figuras . La mujer ensimismada y la actitud rígida del hombre , que mira al exterior a través de la ventana sin fijarse en ella , se resisten a una ordenación escénica.




El cuadro hace que las perspectivas de las miradas de las figuras se encuentren en ángulo recto y las expone al mismo tiempo a la luz que cae oblicuamente dominando el cuadro. La ventana ha perdido aquí la función de una superficie de separación , si no estuviera la planta junto a la ventana no se podría decir con exactitud donde comienza el exterior.




Pero la ventana concentra la luz que actúa como un medium al que se aferran inmóviles las dos figuras. El deseo y el anhelo permanecen aquí presentes como elementos de tensión 

Tamara Tamaral

25 10 2014

Bibliografía : Edward Hopper, Edit Taschen

LOS TESOROS DE SATÁN JEAN DEVILLE

LOS TESOROS DE SATÁN 1895

Los tesoros de Satán

óleo sobre lienzo 258x 268 cm

Museo Real de Bellas Artes de Bruselas

Delville creía en la existencia de un fluido divino, en la reencarnación, en los peligrosos poderes de la telepatía,en el embrujo y en el éxtasis .

Son las creencias que guiaron su pincel cuando pintó Los tesoros de Satán, en el que bellos cuerpos desnudos duermen entre algas y corales , mientras Satán ligero como un bailarín salta por encima y toma posesión de ellos.

EL discípulo belga de Péladan será Jean Delville, teórico y propagador de sus ideas. Defensor del arte idealista e interesado por el ocultismo, fundará en Bruselas el círculo Pour I'Art y el Salon d'art idéaliste para luchar contra las formas degeneradas del arte que él reconocía en el realismo y el impresionismo

Delville estuvo muy influido por “Sâr” Péladan, y llegó a exponer en sus salones. Pero, además, Delville era un ferviente seguidor de la Cábala, la magia, el hermetismo y, más tarde, de la teosofía en la última década del siglo XIX pasó a formar parte de la Sociedad teosófica, de la que llegó a ser secretario en Bélgica) y de Krishnamurti. 

 Tamara Tamaral

25-10-2014

Bibliografía : El simbolismo, Edic Taschen

LOS PECES ROJOS HENRY MATISSE

LOS PECES ROJOS 1911

Los peces rojos

óleo sobre lienzo 147x 98 cm

Museo del Hermitage San Petesburgo

Matisse pintó en 1911 Los peces rojos en Issy-les- Moulineaux cerca de París , donde tenía su taller de pintura en el que había realizado anteriormente muchas pinturas de carácter fauvista En 1912 conoció al coleccionista monclovita S. I. Schukin que  adquirió la obra. La epresentación del acuario y de su interior como motivo que introduce en la composición una aire de serenidad, fue un repetido tema del maestro sobre el que ha creado más de doce variantes.

El cuadro del museo moscovita es una de las representaciones más perfectas gracias a la armonía de las soluciones, composicional, rítmica y cromática . Matisse eligió un punto de mira elevado ,estableciendo la base de la composición en el círculo de la mesa en el acuario. El movimiento circular de las lineas , cerradas y suaves, que repiten la representación central , los sonoros colores- verde, rojo, rosa, lila - forman un acorde lineal y colorístico, asombroso por su belleza.

Al llenar todas las partes de la tela con el arabesco calado de las barandillas , plantas y flores y al privar la composición de planos espaciales precisos Matisse ha asemejado su obra a una elegante y colorida alfombra , persiguiendo un fin tanto decorativo como 

emocional .

Bajo un riguroso y meditado pincel todo el cuadro parece impregnado de una sensación sublime e innovadora de felicidad vital , de un sentimiento radiante y humano en sus propios cimientos.

Tamara Tamaral

25-10-2014

Bibliografía : Henry Matisse, Edic Taschen

LOS CONTRABANDISTAS EDWARD HOPPER

LOS CONTRABANDISTAS 1924-1925 

Los contrabandistas

óleo sobre lienzo 76.5 x 96,8 cm

The Currier Gallery ofArt . fondos Currier

La vida de Hopper en los primeros años que se dedica a la pintura transcurren plácidamente dentro de una existencia ordenada y tranquila , sin que conozca bruscos giros ni decisivos  cambios de domicilio y muchos menos sobresaltos psicológicos. Tampoco es una vida que  proporcione señales claras para marcar períodos . Fuera de dos breves estancias en Europa desde 1908 vive en Nueva York durante más de cincuenta años hasta su muerte .

Tiene su estudio sn Washington Square North en el Village de Manhattan . Impasible ante  el éxito que empieza a los años veinte , Hopper vive allí más bien modestamente con su mujer Jo , con la que se casa en 1924 , los Hopper poseían una casa con un estudio . Un cambio lo constituyen, exceptuando algunos viajes , los veranos en South Truro en Cape Cod donde también el matrimonio Hopper poseían un estudio .

En esta casa completa su formación artística que había comenzado en la Academia de Arte  como ilustrador y dibujante publicitario , que evidentemente facilita el paso sin esfuerzo a la obra ambicionada. Sin cortes bruscos y con perseverancia , va llegando a la técnica apropiada para él y comienza a pintar cada vez más al oleo 

En este período y en su estudio de Washington Square es este cuadro llamado Los contrabandistas ( The Booleggers ) La pintura en tono azul claro se desarrolla a primera hora de la mañana . Agua y cielo nublado en color azul , casa blanca de un color azul pálido , tejado oscuro y tres chimeneas rojas. El muro de cemento claro está construido en las rocas y al comienzo de éste hay una algas al borde del agua que tienen un color ámbar . Al fonde del cuadro y detrás de la casa ha pintado una colina que tiene un color verde oscuro apagado, En la barca aparecen tres contrabandistas y , parece que en la  puerta de la casa les espera otro hombre inmersos todos en negocios turbios. Sobre la proa hay unos protectores de luces de babor a estribor en color verde y rojo .

 Tamara Tamaral

25-10-2014

Bibliografía : Edward Hopper Edic Taschen