RETRATO DE LA BARONESA ELISABETH BACHOFEN- ECHT GUSTAV KLIMT

RETRATO DE LA BARONESA ELISABETH BACHOFEN- ECHT 1914

Retrato de la baronesa Elisabeth Bachofen-Echt
óleo sobre lienzo 180x 128 cm
Colección privada

En los retratos de las mujeres de alta sociedad de su última etapa , Gustav Klimt recurrió a los fondos de inspiración oriental, como había visto en obras de Vicent van Gogh y Claude Monet, durante su viaje a París.

Los fondos se convierten desde entonces en una paleta de multitud de colores que representan motivos típicos copiados del arte japonés, chino y coreano: guerreros, aves, flores y caballos ....La moda oriental influyó en la vida privada y en el mundo artístico.

Elisabeth Bachofen-Echt era hija de August y Serena Lereder, quien también fue retratada por Klimt en 1899. En este retrato el pintor escogió figuras de hombres y mujeres chinos para el fondo , que no da tregua al espectador del cuadro porque  es difícil detener la mirada en un punto concreto. La protagonista , que parece tener una media sonrisa , mira de frente al pintor . La figura del cuadro es elegante y destila frescura. El vestido es blanco y algunos críticos han querido ver una novia , dato que nunca ha sido confirmado.

 Tamara Tamaral

23-10-2014

Bibliografía : Gustav Klimt, Edic Taschen

PALAS ATENEA GUSTAV KLIMT

PALAS ATENEA 1898

Palas Atenea
óleo sobre lienzo 75x75cm
Historiches Museum Viena

Expuesta junto a Retrato de Sonja Knips en la II Exposición de la Seccesión vienesa de 1898, Palas Atenea obtuvo rápidamente el favor de la crítica y del público. Pero no era la primera vez que la representación de la diosa griega irrumpía en la iconografía de la Seccesión : desde 1892 Franz von Stuck la había erigido como símbolo de la agrupación de Munich y su figura ya se había materializado tanto en los carteles y la revista de agrupación como en los dos monumentales conjuntos escultóricos de la Ringstrasse en tanto protectora de las artes y de la " polis " , la cúpula del nuevo Kunsthistoriches Museum y en los edificios del Parlamento de  Austria respectivamente. 


Gustav Klimt encierra la escena con un marco de cobre repujado realizado por su  hermano , el escultor Georges Klimt, en el que se aprecia la leyenda " PALLAS ATHENE " y que otorga solemnidad al conjunto. La composición muestra a la diosa frontalmente portando en su mano izquierda la lanza que le caracteriza como combatiente de la justicia y de la sabiduria mientras que la derecha sostiene un  pequeño desnudo femenino con los brazos abiertos.




Esta figura es la Nike o Victoria alada , diosa alegórica hija de Palas y de Estix que constituye un motivo habitual en la producción del pintor puesto que su esfigie es protagonista de los paneles del Kuntshistoriches Museum ( La Antigua Grecia II, 1890-1891 ) , el cartel para la Exposición de la Secesión ( 1898 ) y de la posterior Nudas Veritas ( 1889 ) . Alusiones mitológicas , aunque de lectura muy distinta, también pueden encontrarse tanto el peto dorado que recubre el pectoral de la diosa como en el fondo que aparece tras la misma.


El hecho de representar la cabeza de la Gorgona en una actitud burlesca impropia de su iconografía habitual ( sacando la lengua ) y una escena de lucha entre Hércules y Tritón extraída de una cerámica de figuras negras pero envuelta entre unas penumbras que hacen difícil constatar su autoría , responde a una situación conflictiva entre los intereses de los miembros de la Seccesión durante estos años que acabaría en la escisión del grupo. Klimt introduce la modernidad mediante la alusión al propio contexto socio-político, a su historia personal, en un lenguaje de herencia clásica que  evidencia lo característico de su tiempo y estilo en el rostro frío e impenetrable de  Atenea, muy cercano a aquellos que el simbolista Fernand Khnopff esbozaba de forma paralela en su femme fatale.

Tamara Tamaral

23-10-2014

Bibliografía : Gustav Klimt Edic Taschen

MUJER ESCRIBIENDO UNA CARTA EN PRESENCIA DE SU CRIADA JOHANNES VERMEER

MUJER ESCRIBIENDO UNA CARTA EN PRESENCIA DE SU CRIADA 1670

Mujer escribiendo una carta en presencia de su criada
óleo sobre lienzo 72,2 x 59,7 cm
Dublin, National Gallery of Ireland

Es muy probable que éste sea el cuadro que " representa dos personajes , uno de  los cuales está sentado escribiendo una carta " que la viuda de Vermeer dio en prenda en 1767 a un panadero con el cual tenía una cuantiosa deuda. Después de pasar por diversas colecciones desde el siglo XVIII y antes de entrar en el museo de Dublin en 1993 , fue el centro de dramáticos sucesos: fue robado dos veces a su propietario,primero por el IRA y luego por delincuentes comunes.


Aparece de nuevo en esta pintura el tema de la carta; en una estancia que posee todas las características de las típicas de Vermeer se ve a una mujer escribiendo  una carta. Junto a la ventana se encuentra la sirvienta, que mira hacía fuera distraída e inmóvil, en actitud de espera: quizá está aguardando a que la señora le entregue  la carta que hay que enviar. La estatuaria inmovilidad de la criada , evidente incluso  en el tratamiento de los paños , contrasta deliberadamente con la figura dinámica  del ama, construida con lineas oblicuas e iluminada por una luz cruda. Con estos medios , Vermeer quería tal vez expresar la tensión espiritual de la mujer y su  implicación emotiva en la redacción del mensaje.




Casi da la sensación de que estuviese respondiendo a una carta que no le ha agradado, que se ve enrollada en el suelo, en primer plano. Se ha conjeturado  que el " cuadro dentro del cuadro " que se ve en el fondo guarde relación con la escena representada: se trata de Moises salvado de las aguas; el mismo cuadro 
que se ve, más pequeño, en el Astrónomo. Al episodio bíblico del salvamento  del pequeño Moises por obra de la hija del faraón se puede asociar una reflexión sobre la capacidad de Dios para conciliar las más profundas oposiciones : se vuelve pues, el tema de la discordia suscitada por la carta recibida.

Tamara Tamaral

23-10-2014

Bibliografía : Vermeer, Edit Biblioteca El Mundo

MUCHACHA BOSTEZANDO EDVARD MUNCH

MUCHACHA BOSTEZANDO 1913

Muchacha bostezando
óleo sobre lienzo 110 x 100cm
Colección Rolf Stenersen , Bergen

Edvard Munch ( 1863-1944) Fue un pintor y grabador noruego cuyo estilo podemos definir como expresionista y su pintura no fue apreciada en sus comienzos , pero, más tardes sus pinceladas gruesas, enérgicas y de colores intensos influiría en varios pintores como :Matisse y los exprersionistas alemanes entre otros.

El pintor decía de si mismo que , del mismo modo que Leonardo da Vinci había estudiado anatomía y diseccionado los cuerpos para llevar a cabo su aprendizaje ,él intentaba diseccionar las almas. Por ello , los temas más frecuentes en su obra están relacionados con los sentimientos y tragedias humanas .Trató temas como la soledad en Melancolía y la angustía en El grito y el erotismo en Amantes y El beso 

Muchacha bostezando 1913 se puede considerar como un "cuadro de género "Una mujer desnuda sentada sobre un sofá rojo parece querer ponerse de pie. Su boca abierta alude a la actividad indicada en el título ,lo que recuerda el aforismo de Theodor  W Adorno : " Al bostezar, el hombre se abre ante un abismo " Al acto de levantarse alude asimismo el gesto de poner el pie izquierdo sobre el derecho, sea para calentarlo o como reflejo inconsciente.

El motivo está relacionado con uno de sus primeros cuadros Pubertad de 1894. Casi veinte años después , el miedo simbolizado por la gran sombra que se yergue a espaldas de la muchacha ha dado paso a una indolente y antiestética naturalidad del cuerpo. La sombra ha perdido completamente su carácter amenazador . En los cuadros de esta época domina una gran naturalidad y en los desnudos una gran sensualidad que se debe sobre todo al colorido salvaje . Siguiendo una indicación de Arne Eggum, Jürge Schultze ha llamado la atención sobre una posible afinidad con los fauvistes , sobre todo con Henri Matisse . El frenesí cromático es sofrenado mediante la rigurosa composición que, como un armazón , en cierto modo, como un esqueleto estabilizador , está presente en la obra del pintor. A los ejes horizontales de la cama cortada a ambos lados , se corresponde el eje vertical central de la mujer sentada , que ha quedado desplazada ligeramente hacía la izquierda

Tamara Tamaral

23-10-2014

Bibliografía : Edvard Munch, Edit Taschen

ensibilidad finisecular, en los nocturnos. El amor y el odio, el deseo y la angustia, las a anímica del hombre mo

LIGHTHOUSE AT TWO LIGHTS EDWARD HOPPER

LIGHTHOUSE AT TWO LIGHTS 1929

Lighhouse at two Lights

óleo sobre lienzo 74.9 x 109,9 cm
The Metropolitam Museum of New York

Con una amplia formación artística y después de viajar por Europa, donde explora el impresionismo, el expresionismo y el realismo de pintores como Manet, Monet, Degas, Toulouse-Lautrec, rechazando las tendencias que imperaban en aquella época, todas ellas más abstractas.


Es considerado como el máximo exponente de la pintura realista o neo realista americana y su obra destaca por el tratamiento poético de los objetos cotidianos, que consigue dotar de magia tanto a paisajes como a edificios o personas que, de absolutamente normales, pasaban desapercibidas para el resto.Hoy me voy a

ceñir a describir uno de los más bellos faros que pintó ,  casi todos ellos en la costa de Maine. Una auténtica maravilla y un dominio como pocos de las luces y las sombras y de las perspectivas.

Uno de los primeros faros que pintó Hopper es el llamado Lighthouse at Two Lights , situado en el Cabo Elizabeth al lado de la casa del guarda En el primer término del cuadro ha pintado unas pequeñas matas de arrayán oscuras en la ladera de la colina . El cielo es de color azul intenso, en la sombra hay un tono de luz blanca ( en la parte superior y el mirador es de color negro) Dos alas de nubes blancas en el cielo , y el tejado oscuro en la casa del guarda

 Tamara  Tamaral

23-10-2014

Bibliografia : Edward Hopper, Edic Taschen

VENUS DE LA POESÍA JULIO ROMERO DE TORRES

VENUS DE LA POESÍA 1913

Venus de la poesía
óleo sobre lienzo 93,3 x 154 cm
Museo de Bellas Artes, Bilbao

El primer desnudo realizado por el pintor fue La musa gitana , 1908 y , el último La nieta de la Trini de 1929. Ambos son emblemáticos de su producción. La musa gitana además fue el primer desnudo del arte español premiado en una Exposición Nacional, hecho que ocurrió un par de años después de un sonado rechazo a su obra Vividoras del amor . por parte del jurado.

En medio de estos desnudos citados , Julio Romero de Torres ( Córdoba, 1874- 1930 ) realizó  la Venus de la poesía . El artista buscó varias modelos hasta que encontró la más adecuada para posar para esta obra. Se trata de Francisca Márquez López ( 1888- 1962 ) conocida cupletista que llevaba el sobrenombre de Raquel Meller. El hombre que aparece junto a ella, era su marido , el guatemalteco Enrique Gómez Carrillo (1919-1922 )

La mujer desnuda aparece en primer plano recostada sobre unas sábanas blancas y su cuerpo reposa sobre una almohada que tiene el mismo color .Sobre su cabeza lleva una mantilla de encaje de blonda de color negro .Mientras tanto , su marido sujeta una cuartilla entre las manos , donde aparece la firma del pintor .aunque ella no parece importarle el ofrecimiento que le hace su marido , ya que ella desvía la mirada hacía es espectador con una mirada muy provocativa En el fondo del lienzo aparece una fuente y la renacentista Puerta del Puente de Córdoba entre hileras de árboles Al lejos en la lejanía se vislumbra el río y la ciudad de Córdoba

La composición del lienzo, según los expertos, está inspirada en la obra Venus recreándose en el amor y la música, de Tiziano, similitudes que demuestran la admiración y conocimiento que Romero de Torres tenía de los maestros italianos, especialmente los renacentistas 

Bibliografía : Julio Romero de Torres : 

                      Entre el mito y la tradición

Tamara Tamaral

3-09-2014 

LA CARTA DE AMOR FRAGONARD

LA CARTA DE AMOR 1778

La carta de amor
óleo sobre lienzo 83,2 x 67 cm
Metropolitam Museum of Art, Nueva York

Este cuadro es una de las obras maestras de las colecciones del Metropolitam Museum of Art de Nueva York. Es una de las imágenes del siglo XVIII típicas del Rococó francés .

Una joven dama recibe una carta de amor  que intenta esconder dentro de las flores que le ha enviado su amante y muestra una mirada inquieta , como si quisiera que el espectador fuera cómplice de este secreto de amor En el primer plano y situado a la derecha  su perro también lanza una mirada desafiante como si quisiera proteger a su ama

Una inscripción mal escrita ha dado lugar a varias interpretaciones .

parece que hace referencia  a   Marie Emilie Boucher , hija del pintor casada en segundas nupcias en el año 1773 con Charles Cuvillier del cual parece que se lee el nombre .

La materia pictórica muestra unas pinceladas ligeras y transparentes dominando los colores cálidos . La escritura esta hecha con la punta del pincel y la gama de colores : azul, ocre son de una extraordinaria belleza y elegancia-típicos de la época  También se nota el virtuosismo de Fragonard a la hora del manejar de los efectos lumínicos

Bibliografía : Obras visuales Espasa

Tamara Tamaral

2-09-2014