jueves, 31 de julio de 2014

LA MAJA DESNUDA Y LA MAJA VESTIDA FRANCISCO DE GOYA


LA MAJA DESNUDA Y LA MAJA VESTIDA 1797-1805
La maja desnuda
óleo sobre lienzo 97 x 190 cm
Madrid, Museo del Prado





Existen pocas representaciones de una mujer desnuda que, en la historia de la pintura , hayan suscitado tantas interpretaciones novelescas y fantasiosas como La maja desnuda , de Goya. Ahora bien, el primer gran biógrafo de Goya , el francés Charles Yriarte, ya en 1867 , hablaba de su " reputación europea " , a pesar de que el cuadro había permanecido escondido en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando durante todo el siglo XIX , y fue expuesto por primera vez en el Museo del Prado en 1901. En realidad, no era el tema lo que chocaba a los responsables de los museos madrileños , puesto que, desde 1827, la Venus de Tiziano y de otros artistas célebres figuraban en su mayoría , en lugares preferentes del Prado.


Sabemos que fue el primer ministro español Manuel Godoy ( 1767- 1851 ) príncipe de la Paz, quien poseyó las dos Majas , de Goya , ya que se encuentran registradas con el nombre de Gitanas en el inventario de su palacio en 1808. Más tarde, al secuestrar su colección en 1815, la Inquisición convocó a Goya para saber quién era la dama y de quién provenía el encargo. No se conoce la respuesta del pintor, pero su hijo Javier en 1832, en la corta reseña biográfica de su padre , señala las dos Venus que poseía el príncipe de la Paz. En 1843, el escritor francés Louis Viardot , que había visto La maja vestida en la Academia de San Fernando , que estaba, por tanto, fuera del museo declara " que creían que representaba a la duquesa de Alba" ( 1802 ). Charles Yriarte, en 1867, se alza contra esta identificación con argumentos convincentes sobre la diferencia total de facciones. Observemos que, en 1800, la duquesa tenía cuarenta años y estaba muy enferma.

En 1979, se publica un extracto del Diario del grabador de la moneda real, González de Sepúlveda , quien narra cómo en noviembre de 1800 visitó en su palacio de la Paz en compañía del historiador y crítico de arte Juan Agustín Ceán Bermúdez ( 1749. 1829 ) se sabe que vieron La maja desnuda en un gabinete apartado, como la Venus de Velázquez y la copia de Tiziano. Lo que nos da a entender que Godoy se atrevía a mostrar el cuadro de Goya a ciertas personalidades contemporáneas y, seguramente, éstas sabían quién era la modelo.

La maja vestida
óleo sobre lienzo 91 x 190 cm
Madrid, Museo del Prado


No obstante, la leyenda concerniente a la duquesa de Alba continuaba fascinando a los aficionados y críticos del arte, hasta el punto de que, en 1945, el duque de Alba mandó a exhumar los restos de la célebre antepasada con el fin de demostrar que sus huesos no correspondían a la anatomía de La maja desnuda . Por otra parte, se había afirmado que, debajo de la cabeza que hoy vemos en el cuadro, había un retrato de la duquesa repintado después. Las radiografías que se hicieron en 1945 en el Prado mostraron que no existía figura alguna debajo y que el rostro de La maja desnuda era original.

Ahora bien, en 1970 Pedro de Madrazo, hijo del director del Prado, José de Madrazo, había sugerido- a propósito de La maja desnuda , que seguía escondida en la Academia de San Fernando- que podría tratarse de Pepita Tudó, amante del príncipe de la Paz. En efecto, ésta condesa de Castillofiel , convertida en una vieja dama muy respetada, acababa de morir en 1869 a la edad de noventa años . El texto de Madrazo escapó totalmente a los historiadores de Goya.

Por otro lado, si comparamos los rasgos de una joven pintada por un miniaturista desconocido - obra que se encuentra en el Museo Lázaro Galdiano de Madrid, en el cual se considera que Pepita Tudó es la representada- y sobre todo el Retrato de la condesa de Castillofiel ,Josefa Tudó , pintado por Vicente López ( 1772- 1850 ) hoy en colección particular y proveniente del nieto de Tudó , el parecido con el rostro de La majas de Goya , es sorprendente.




¿ Pero quién era Pepita Tudó , cuya historia jamás fue contada - probablemente porque pertenecía a un período oscuro de la Monarquía española- y sobre la cual ni siquiera unos documentos publicados hace treinta años han sido apenas consultados ? . Josefa Catalán Alemán y Luesia había nacido en 1779 en Cádiz y era de origen catalán. Ya en 1779 su presencia era señalada en la corte de España junto a Godoy, que pidió al poeta Juan Meléndez Valdés ( 1754-1817 ) , amigo de Goya, que compusiera unos versos en su honor. Era encantadora y tenía dieciocho años . Su padre, oficial superior ennoblecido , fue nombrado gobernador del Buen Retiro en 1801. Pepita Tudó tuvo dos hijos del príncipe de la Paz , Carlos nacido en 1801 ( el mismo año que Carlota, hija única de la condesa de Chinchón, esposa legítima de Godoy y prima de Carlos IV ) y Manuel , nacido en 1805. Según testimonios de archivos , publicados hace cincuenta años, la reina Maria Luisa apreciaba a la Tudó, hasta el punto de hacer que le concediesen , en 1807, el título de de condesa de Castillofiel. Durante el arresto de Godoy en 1808, se comportó con gran valor, acompañándole después a él y a los reyes españoles a su exilio en Francia, y luego a Italia. Al morir la condesa de Chinchón en 1828, se casó en Roma con Godoy y no pudo volver a España hasta que murió Fernando VII en 1833, quien sentía por ella un gran desprecio. Ahora bien, en cualquier caso, la modelo de Goya es una mujer joven y encantadora que le permitió tratar un tema trillado , con una origanalidad extraordinaria. Tal vez se inspirase en una Venus antigua, cuya copia en mármol  (Museo del Prado ) fue traída de Italia en 1651 por Velázquez , y que tiene el brazo derecho por detrás de la cabeza y la mano izquierda apoyada en la mejilla, pero, en realidad, se le debió encargar que hiciera un retrato de su modelo. En efecto, tanto la perspectiva del cuerpo como la posición de la cabeza prueban que está mirando al pintor de frente, " a los ojos " razón por la cual se incorpora. Goya no ha tratado mucho el tema de la mujer desnuda. Es probablemente que por eso por lo que el desnudo de La maja no es muy sensual . En cambio, la factura y la pincelada son espléndidas . El blanco del drapeado y de los cojines anuncia a los impresionistas y , para destacar el cuerpo del fondo liso, ha instalado sobre un canapé de terciopelo verde , que no aparece en La maja vestida , a pesar de los colores- cinturón rosa y bolero ocre- la policromia parece menos viva. 


Uno de los mejores retratistas de todos los tiempos , Goya, quedó fascinado por la expresión atrevida de su modelo , y nos ha transmitido una imagen inolvidable , que explica la fascinación ejercida por estas dos Majas sobre los aficionados al arte desde hace un siglo

 
Bibliografía : Goya " Edit" Biblioteca El Mundo"




Tamara Tamaral
31-07-2014




miércoles, 30 de julio de 2014

LA DANZA DE LA VIDA EDVARD MUNCH

LA DANZA DE LA VIDA 1889-1900
La danza de la vida
óleo sobre tela 175,5 x 190,5 cm
Galeria Nacional, Oslo

El artista noruego Edvard Munch nació en 1863 en el pueblecito de Loten. Su familia se trasladó a Cristianía ( el actual Oslo ) al año siguiente. Munch entró en la Real Escuela de Dibujo de la ciudad en 1881, pero la abandonó al cabo de un año para inagurar un estudio con un grupo de jóvenes artistas muy influidos por su mentor; el pintor Christian Krohg. EN 1885 , viajó a París , vía Antwerp, y en la capital francesa dedicó varias semanas a estudiar la pintura del Louvre.

A mediados de esa misma década , se unió al grupo radical y anarquista Kristiania Bohemia , dirigido por Hans Jaeger. Es probable que fuera este último quien inspirara a Munch la idea de que tenía que escribir sobre su vida, sus experiencias espirituales y sus pensamientos sobre el amor y la muerte en sus Diarios literarios .Con una imaginación sombría y perturbada ( presa de sus pasiones y temores ) Munch tuvo una vida emocional turbulenta y eso se refleja en sus cuadros. Sus comienzos como pintor transcurrieron entre Oslo y el pueblo de Asgardstrand, pero posteriormente se mudó a Ekely, donde murió de neumonía en 1944.






Angustia, 1894
óleo sobre tela 54x 73 cm
Museo Munch, Oslo

La pintura muestra un baile junto al agua, a la luz de la luna. Las parejas de bailarines parecen estar aisladas , moviéndose en sus propias órbitas predestinadas. Sus siluetas son fluidas pero conservan una extraña rigidez, con sus cuerpos unidos en un intercambio amoroso intemporal parecido al trance. Como consecuencia, la pintura de Munch parece surgir del mundo de los sueños y presenta una de las ambigüedades de interpretación que asociamos al trabajo de ensoñación.






Mirarse a los ojos 1893
óleo sobre tela 126 x 110 cm
Museo Munch, Oslo

La descripción que hace el propio Munch destaca varias y profundas ambivalencias en el seno de la pintura. Contrapone lo espiritual a lo carnal, el deseo sexual masculino al femenino insatisfecho, negativo. De este modo, la danza de la vida se transforma en un cuadro sin alegría que invoca su opuesto mítico; un momento congelado en la danza ritual de la muerte . Quizá el aspecto más extraordinario de la composición de Munch es su empleo de identidades femeninas opuestas y contradictorias . Una hermosa joven vestida de blanco, desdeñada y sin amor; se metamorfosea en su contrario: una mujer de edad, de tez amarillenta y arrugada, vestida de negro. En esta pintura vemos la unión destructiva de las energías psicológicas positivas y negativas.


" Estoy bailando con mi verdadero amor: con un recuerdo de ella . Una rubia sonriente entra y desea coger la flor del amor , pero no le está permitido . Y al otro lado la vemos de nuevo, vestida de negro,inquieta ante la pareja que baila, pero rechazada ...expulsada de su danza ::"

Edvard Munch , Diarios literarios.


Tamara Tamaral
30-07-2014

PAZ, SEPELIO EN EL MAR WILLIAM M TURNER

PAZ, SEPELIO EN EL MAR 1.842
Paz , sepelio en el mar
óleo sobre lienzo 87x 86,5 cm
Londres, Tate Gallery




En el centro del lienzo , originariamente cuadrado y reducido a forma octogonal cuando estaba ya enmarcado , destaca la silueta oscura de los navíos y de las velas , de extraordinaria belleza y plasmada  con un negro intenso y solemne como la muerte. .Estas, así como las embarcaciones , se reflejan en la superficie del agua creando  un fuerte contraste con los fríos tonos blancos y gris-azulado , utilizados también para el cielo , en el cual el humo negro que se eleva desde las chimeneas traza una linea diagonal.

La intensa presencia del color negro , que la crítica juzgó negativamente y que ni siquiera Ruskin compartió del todo , fue para Turner una opción figurativa y un homenaje : La obra fue concebida en recuerdo de su amigo ( y un tiempo rival ) sir David Wilkie, repentinamente muerto el 1 de junio de 1841 a bordo del Oriental  en el viaje de regreso de Egipto y sepultado en el mar a la altura de Gibraltar  ( o de Malta ) .Thombury hace referencia a un coloquio entre Turner y su amigo y colega  Georges Jones poco después de recibir la noticia de la desaparición de Wilkie , en el cual los dos artistas  decidieron conmemorar al académico dedicándole sendas pinturas , uno  representando la escena de las exequias desde el puente de la nave , el otro como si la hubiera podido ver desde la costa . Tal vez para Turner se trató también de un desafío homenaje en relación con David Wilkie , que  por la oscuridad de sus cuadros era conocido como uno de los " Pintores negros " hasta el extremo de que Turner era considerado como un exponente de los " Pintores blancos " .

Expuesto en la Royal Academy en 1842 junto con Guerra El exiliado y el escollo caracterizado por sus tonos rojos , no fue comprendido , el Spectator ( 7 de mayo de 1842) dijo que Turner había logrado hacer " una caricatura de si mismo con dos manchas redondas de rojo y negro " El cuadro parte del Legado Turner de 1856 , pasó a la Tate Gallery en 1910.

Bibliografía : Turner : " Edic Biblioteca El Mundo "

Tamara Tamaral
30-07-2014

NIÑOS EN LA PLAYA JOAQUIN SOROLLA

NIÑOS EN LA PLAYA 1910
Niños en la playa
óleo sobre lienzo 118 x 185 cm
Madrid, , Museo del Prado






Donación de Sorolla al extinto Museo Nacional de Arte Moderno el 28 de febrero de 1910. El cuadro, fechado en 1910 , permite apreciar un tema estudiado y pintado por Sorolla en la costa valenciana durante unos veinte años. Además , la historia de la exposición del cuadro dentro y fuera de España testifica la popularidad de la imagen no solamente para el pintor , sino para diversos públicos . Otra pintura, Niños a la orilla del mar ( 1903, Philadelphia Museum of Art , Filadelfia ) , fue adquirido por un norteamericano ( Alexander Hamilton ) cuando fue presentado en el Salón de París en 1904. Obras parecidas fueron incluidas en las exposiciones de Sorolla en América en 1910 y 1911. Todas , incluso este cuadro del Museo del Prado, expuesto en las muestras de 1911, en América y, por ejemplo, el muy semejante Idilio en el mar ( The Hispanic Society of América , Nueva York ) adquirido en la exposición de 1909 en la Society , contribuyeron en gran medida al triunfo de Sorolla en el lado oeste del Atlántico . Sea como fuere, Sorolla conservó Niños en la playa hasta que lo donó al Museo de Arte Moderno.


Tan alegres imágenes de niños inocentes disfrutando en la playa mediterránea, en el calor de pleno sol, encantaron por todas partes. Además, dieron a conocer entre los pintores americanos de esa época un talento extraordinario. Con pinceladas amplias cargadas de colores brillantes , libertad y energía incomparables y una espontaneidad imposible de imitar . Sorolla parecía trasladar al lienzo los efectos del sol centelleando sobre la piel mojada de los niños . Al representar la vida en las soleadas playas que tanto le gustaban , Sorolla se esforzó en captar las fugitivas impresiones producidas por el sol, que estudió en una profusión de dibujos, apuntes y bocetos, así como en sus cuadros de mayor formato. Sin embargo, admitió con tristeza que no se puede pintar las calidades del sol exactamente como son, sino solamente de una forma aproximada.

Niños en la playa es un buen testimonio del acierto de Sorolla para capturar , con pinceladas rápidas , los sutiles colores del oleaje. También , con su asombrosa destreza , pinta las sombras debajo de los jóvenes, así como los reflejos de sus cuerpos desnudos en el agua del bajío, y con toques de azul, los destellos del cielo en la arena de alrededor . Pinceladas de blanco- aunque para Sorolla nunca existió un blanco total, ni en la naturaleza ni en la pintura- subrayan los brillos de la piel mojada.

Ya que Sorolla siempre buscó transmitir los efectos de la luz del sol en sus obras, y lo consiguió con la asombrosa facilidad que se puede admirar , por ejemplo, en Niños en la playa , se ha considerado " impresionista " o " posimpresionista ". No obstante, el se negó a ser denominado así. Aunque pintó el instante que llegaba a sus ojos , y en sus apuntes parece aproximarse al impresionismo, sin embargo, mantuvo un realismo que resultó ser de un estilo muy personal. También se le clasifica como " luminista ". Aunque " luminista " en español significa precisamente lo mismo que luminist en inglés, es un término que se puede ver justamente aplicado al célebre " pintor de la luz ".

Bibliografía : Sorolla, Begoña Torres González , Edic Labsa


Tamara Tamaral
30-07-2014

martes, 29 de julio de 2014

CORZO EN EL JARDÍN DEL CONVENTO FRANZ MARC

CORZO EN EL JARDÍN DEL CONVENTO 1912



Corzo en el jardín del convento 1912
óleo sobre lienzo 75,7 x 101 cm
Múnich , Städtische Galerie im Lenbachhaus




Muy alejado de la percepción naturalista y se ha traducido al nuevo lenguaje formal de Marc . Másla luna entre la alta vegetación del jardín de un convento -quizá en el Benediktbeuen -está muy  caso también de Corzo en el jardín del convento . Aunque parezca haber surgido tras la impresión de un paseo nocturno en el que Marc vio por un breve momento un corzo a la luz de  aún que en las obras anteriores como El tigre de 1912 , los elementos del cuadro se descomponen en facetas finas que se desplazan las unas contra las otras y se recomponen paraformar nuevas estructuras.





La  composición descansa el corzo, cuya forma natural puede reconocerse claramente, que a su vez en muchas ocasiones pertenecen a varios elementos a la vez. En el centro Las rudimentarias formas naturales que aquí puede verse constituyen , dentro del cuadro, modelos que generan orden: se trata de haces de lineas , redes, segmentos y triángulos ,con la cabeza alzada y ajustado a una forma angulosa abstracta , volviéndose hacía la esfera mate de la luna. A pesar de su enmarcado en azul y naranja , esta constituye el elemento  más tranquilo en un paisaje que, por lo demás, se encuentra dramatizado tanto desde el de los futuristas italianos que Marc vio por primera vez en el catálogo de la exposición de la 

punto de vista formal como el colorido. galeria " Sturm " en mayo de 1912 . Más tarde ( a diferencia de Kandinsky y otros miembros del " Jinete Azul " ) reconoció también en los cuadros de, por ejemplo, Umberto Boccioni, una expresión de la pintura contemporánea digna de ser tomada en serio . Ahora bien, Marc se interesó no tanto por el intento de representar el movimiento y el dinamismo en la pintura( uno de los principales objetivos de la pintura y la teoría artística futurísticas ) como por laposibilidad de crear, con formas típicas, una estructura del cuadro cristalina y transparente.






Bajo la lluvia , 1912


Por ello se mostró muy fascinado por la pintura de Robert Delaunay , a quien visitó en octubre  de 1912 , con Agust Macke en su estudio parisino. Con muchos otros pintores del " Jinete  Azul ", Marc quedó entusiasmado con la nueva serie de los cuadros ventana, en los que había cre ado una pintura no figurativa , con formas abstractas de colores , una " pintura pura " ,formada completamente por contrastes y energías del color.

Aunque Corzo en el jardín del convento hubiera sido pintado antes de esta visita al estudio Delaunay en París, como dice Klaus Lankheit , Marc si que conocía las dramáticas Torres Eiffel, que el pintor francés presentó en la primera Exposición del " Jinete Azul " , así como la reproducción de un cuadro de la serie Les Villes  ( Las ciudades ) que se publicó junto a un artículo sobre Delanuay en el almanaque de 1912. Ahora bien, Marc asume de Delaunay únicamente el medio formal del color refractado prismáticamente y sin embargo no su tema del color puro , con cuyas energías creadoras de formas Delaunay se había propuesto fundamentar de un modo completamente nuevo la pintura. Para Marc , las facetas de colores del cuadro simbolizan una visión interior de las cosas, el salto a lo " completamente diferente " de la trascendencia cristalina.

Tamara Tamaral
29-07-2014


Bibliografía : Franz Marc , Edic Taschen