CABALLO BLANCO DIEGO DE SILVA Y VELÁZQUEZ

 CABALLO  BLANCO 1634-1645

Caballo blanco
´´oleo sobre lienzo 310 x 243 cm
Madrid ,Palacio Real

Diego de Silva Velázquez nació en Sevilla en 1599 de padre portugués y madre española y murió en Madrid en 1660. Viajó dos veces a Italia , lugar de grandes artistas, donde aprendió mucho sobre los grandes maestros y sus obras. 


Aunque el título sea antiguo y la obra se encuentre así descrita en los inventarios del siglo XVII, sería más exacto llamara al cuadro Caballo gris, en la medida de que el blanco puro no está reconocido como un pelaje natural del caballo. 

El lienzo adquirido por la reina Isabel II en 1848 en Madrid , no ha sido redescubierto hasta finales de la década de 1950 por Juan de Contreras y López de Ayala , consejeros ambos del Patrimonio real español. 

Parece que la composición representaba entonces a un Santiago matamoros , pero el contraste en la ejecución del animal , que designaba sin género de dudas la mano de Velázquez , y la factura tosca del resto del cuadro convenció de la necesidad de restaurar la obra y recuperar su estado original, que aún puede apreciarse en la actualidad.

Parece ser que existen varios autores que pintaron caballos , por lo que, la autoría de Velázquez es cuestionable para algunos historiadores del arte Se cita , por ejemplo, a José de Ribera , Salvador Salort Pero ninguna de sus obras pueden reconocerse en esta pintura 

Así que parece ser que la obra fue pintada por el pintor sevillano  , ya que este caballo adopta la misma postura que el retrato ecuestre que Velázquez realizó al conde duque de Olivares 

  Dicho esto  esta  obra que Velázquez tenía preparada por si surgían problemas con el lienzo original, para evitar contratiempos con el personaje más influyente de la corte madrileña. De esta manera demuestra el sevillano sus deseos de agradar a su cliente, máxime cuando se trataba de su principal valedor. 


 Respecto al tamaño de los caballos velazqueños debemos advertir que se trataba de una raza especialmente creada para la caballería española, uniendo la fortaleza de los caballos flamencos con la rapidez de los jacos andaluces. De esta manera podían emplearse como máquinas de guerra, el principal objetivo de estos animales. La luz que resbala sobre el blanco pelaje del animal y la postura escorzada - típica del barroco - hacen de este lienzo un trabajo excepcional 


 Son un personaje más, que Velázquez pinta con maestría e incluso cierto mimo, advertido en los pequeños detalles como el dibujo de las crines o la expresión de los ojos

Tamara Tamaral

12-12-2016

Bibliografia : ARTEHISTORIA 

LA MULATA DIEGO DE SILVA Y VELÁZQUEZ

LA MULATA 1617-1618

 

La mulata
óleo sobre lienzo 55, 9x 104,2 cm
Chicago, The Art Institute

 

 

 

La obra retoma la composición del cuadro que hay en el Museo de Dublin , con la notable excepción que la ventana y la cena de Emaús no están representadas .

 

El relativo mal estado de conservación impide apreciar plenamente sus cualidades pictóricas Al igual que el lienzo de Dublin , esta obra aparece cortada en los bordes laterales En ella se observa "un tablero, que sirve de mesa, con su anafe y encima una olla hirviendo y tapada con una escudilla, que se ve la lumbre, las llamas y las centellas vivamente, un perolillo estañado, una alcarraza, unos platos y escudillas, un jarro vidriado, un almirez con su mano y una cabeza de ajos junto con él, y en el muro se divisa colgada una escarpia, una esportilla con un trapo y otras baratijas; y por guarda de esto un muchacho con una jarra en la mano y en la cabeza una escofieta que representa con su villanísimo traje un sujeto muy ridículo y gracioso

 

 

La representación de la población negra de Sevilla no debe sorprender Después de Lisboa , la capital andaluza era la primera concentración europea en número de esclavos. Esta realidad formaba parte de la vida cotidiana del pintor . Su padre poseía algunos a su servicio , al igual que Juan Martínez Montañés y Francisco Pacheco - su maestro . Parece ser que Velázquez pudo disponer de esclavos Sin embargo, cuando realizó su segundo viaje a Italia con un tal Juan de Pareja , un colaborador mulato al que el pintor liberó en 1650.



Como fuente de inspiración se han señalado grabados flamencos de Jacob Matham, pero también ha dado pie a un replanteamiento de la posible influencia de Caravaggio en el primer Velázquez, debatida a causa de la dificultad para establecer qué obras del pintor italiano o de sus copistas podían haber llegado a Sevilla y ser conocidas por Velázquez.

 

Tamara Tamaral

11-12-2016

 

Bibliografía : Velázquez Edit Biblioteca El Mundo

                     Wikipedia







".

MENDIGO ITALIANO MARIANO FORTUNY

MENDIGO ITALIANO 1866

Mendigo italiano
acuarela y lápiz 37 ,5 x 24,1 cm
Williamstown, Massachussets, Sterling and Francine Clark Art Institute

 

Esta composición forma parte de la gran cantidad de obras que Mariano Fortuny realizó durantes sus numerosas estancias en la Ciudad Eterna. Todas ellas tienen como denominador común el hecho de recoger una variada galería de personajes populares, parte de la sociedad en la que el artista vivía en Italia. Así, con este tipo de pintura, el catalán se convirtió en uno de los pintores de género más reconocidos de su tiempo.

En esta magnífica acuarela aparece un mendigo sentado sobre un pequeño pedestal de madera o piedra, sosteniendo un bastón alargado. Destaca la falta de anécdota, de fondo narrativo; la obra no es más que un puro y simple retrato de un mendigo. Este aspecto separa esta obra, y otras muchas similares de Fortuny, del resto de pintura de género cultivada en Europa, en la que casi siempre existía algún tipo de argumento, de acción.

Por lo que se refiere a la técnica, se aprecia de nuevo el virtuosismo del pintor con el pincel y el color. Fortuny resolvió de manera brillante los ropajes del mendigo. Igual de interesante resulta el foco de luz que procede de arriba y que produce en el retratado juegos lumínicos y de sombra.

Tamara Tamaral

24-11-2016

 

Bibliografía , Fortuny , Museo Nacional de Cataluña

EL MANANTIAL JEAN-AUGUSTE DOMINIQUE INGRES

EL MANANTIAL 1820-1856

 

El manantial
óleo sobre lienzo 163 x 80 cm
Paris, Museo de Orsay



 

 

El manantial representa a una odalisca , que fueron mujeres esclavas que durante el imperio Otomano ejercían de asistentes de las concubinas del harén del sultán.

 

 

Ingres se sirve de la representación de una mujer desnuda para simbolizar el nacimiento de los ríos, algo que se hacía tradicionalmente en la pintura de la época al utilizar jóvenes o niñas para representar fuentes, manantiales o ríos.

 

El pintor sitúa a la odalisca en el borde del río, que pisa parcialmente mojándole los pies que se reflejan perfectamente en la superficie del agua.

 

 

Esta figura parece inspirada en la Antigüedad , ideal y realista a la vez , aunque poco casta de lo que algunos pretendían , negando la evidencia. De rostro poco expresivo , como es propio de una alegoría , la joven muestra sus formas suaves con falso candor y cierta frialdad , incluso el agua. que  constituye el tema y simboliza también el paso del tiempo , se traduce en un  trazo tupido y una materia tersa.

 

El fondo rocoso de la hornacina que se abre en la montaña, con sus plantas trepadoras y el ambiente rocoso redunda en la frialdad de la imagen, y el aspecto casi marmóreo de la figura femenina

 

 

Porque la línea , aunque sea tenue , no pierde su protagonismo , en particular la que va de la axila  derecha hasta el dedo meñique del pie 

 

 

 

Tamara Tamaral

13-11-2016

 

Bibliografía . Obras del Museo de Orsay

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DANAE TIZIANO

DANAE

Danae

óleo sobre lienzo 120 x 172 cm

Galleria Nazionale di Capodimonte ( Nápoles )

La lluvia de oro - Tiziano Vecellio El rey Polidette, se enamoró de Dánae y quería a toda costa de casarse con ella, pero rechazó, sospechaba que era el hijo de Perseo para dificultar su felicidad y comenzó a odiarlo ya buscar formas de eliminar la misma.

Para quitar él, aprovechó su ambición de gloria y se ofreció a hacer una empresa que se creía imposible: Perseus tuvo que llevar la cabeza de la medusa.

Otra leyenda cuenta que para participar en un almuerzo ritual en el que tenían que presentarse con un caballo, Perseo, que no es dueño de uno, dijo que iba a traer la cabeza de Medusa, a continuación, se representa con el cuerpo de un caballo.

En esta empresa el joven héroe tendría que morir, pero, protegido por los dioses y por su valor y pasado la prueba, antes de regresar por Danae madre tenía grandes aventuras.

Finalmente cansado de aventuras de Perseo decidió retirarse a una vida tranquila, volviendo a Argos, su país natal. La noticia de este retorno llegó a Acrisio que, asustado por la profecía y las malas acciones, escapó y huyó a Larissa, en el encubrimiento.

Pero ya que está escrito que nadie puede escapar de su destino, Perseo pasó que tomaron parte en las competiciones de los juegos atléticos que el rey de Larissa había ordenado y, en el lanzamiento de un disco, esta fue de las manos y fue a golpear a Acrisio, causándole la muerte, al darse cuenta finalmente la profecía fatal.

En esta obra realizada por Tiziano durante su visita a Roma en 1545-1546 , el artista representa , con un fuerte contenido erótico, el mito de la concepción de Dánae por Zeus a través de una lluvia dorada que cae hacía su cuerpo desnudo .

Algunos críticos han visto en este cuadro un anuncio del " impresionismo mágico " que practicará el pintor dos décadas después, en particular por el uso de pinceladas rápidas y empastadas . Sin embargo , la iluminación dorada que cubre a la joven , el crepuscular cielo del fondo , la clara cortina de la izquierda y la amplia extensión que ocupa en el cuadro el blanco de las sábanas y los almohadones están lejos de brindar los planos oscuros y los contrastes que Tizano usará posteriormente.

Por otro lado, y a pesar de la gama de colores utilizada es reducida , la brillantez cromática es la propia del artista durante ese período . El erotismo no sólo lo da la posición de Danae, sino también su expectante mirada a la lluvia dorada , Cupido, también atento al envío de Zeus, completa la escena.

La pintura fue un encargo del cardenal Alessandro Farnese , y se dice que la modelo del cuadro fue una mujer de la que estaba enamorado

Tamara Tamaral

15-09-2016

Bibliografía . Tiziano , Edit Biblioteca El Mundo

                                   Wikipedia

RETRATO DEL CONDE DUQUE DE OLIVARES DIEGO DE VELÁZQUEZ

RETRATO DEL CONDE DUQUE DE OLIVARES 1637 - 1638

 

 

Retrato del conde-duque de Olivares
Óleo sobre lienzo 67 x 54 cm
Museo del Ermitage, San Petesburgo

 

 

A pesar de la insobornable veracidad de sus retratos , que descubrían con implacable poder lo más secreto en la figura del retratado . Velázquez era muy apreciado por los que les encargaban sus retratos .

El famoso válido en cuyas manos durante veintitrés años permaneció un poder casi ilimitado sobre España , don Gaspar de Guzmán , conde de Olivares , duque de Sanlúcar de Barrameda, fue repetidamente modelo de Velázquez .

. Resulta tremendamente sorprendente el verismo con el cual Velázquez transmite los principales rasgos del protagonista. La imagen trasluce el carácter severo del conde-duque y simultáneamente pone de manifiesto aspectos que descubren una tenacidad e ingenio poco corrientes.

 

Su vestimenta es marcadamente sencilla y falta de ostentación. La pensativa y perdida mirada constituye un sorprendente contraste con la expresión del rostro llena de gran altivez. . Diversos matices de color modelan el rostro con maestría y desiguales pinceladas realzan la conformación de las facciones

 

La maestría artística de Velázquez aparece en el presente retrato en toda su plenitud , el colorido se distingue por su carácter contenido y de extraordinaria nobleza.. La obra es una acabada muestra del extraordinario realismo alcanzado por el genial artista

 

 

Tamara Tamaral

29-08-2016

 

Bibliografía : Velázquez, Edit Biblioteca El Mundo 

MUJERES DE ARLES VICENT VAN GOGH

MUJERES EN ARLES

Mujeres de Arles
óleo sobre lienzo 73.5 x 92 cm
Museo del Ermitage, San Petesburgo

 

 

Mujeres de Arlés también es conocido con el título Recuerdo del jardín de Etten (pequeña ciudad del norte de Holanda en la que trabajó el pintor algún tiempo). Probablemente fue este hecho, el del recuerdo, el que hizo innecesario el trabajo al natural. Las figuras y el paisaje se extienden sin profundidad, paralelamente a la superficie del lienzo, en zonas peculiares, de acuerdo a un método adquirido de los pintores japoneses.

 

 

A primera vista parece que el cuadro está pintado en anchas extensiones de colores, pero una mirada atenta nos demuestra que estas extensiones están saturadas de pequeñas y precipitadas pinceladas, que crean el dinamismo interno de las formas y las hace sumamente expresivas. Los rostros de las mujeres, pensativos y tristes, transmiten al espectador un sentimiento de angustia. Mientras en el otro lado del cuadro una mujer recoge flores , su postura inclinada no nos permite ver el rostro de ella , sólo se percibe el vestido de color gris y sobre su cabeza lleva una cofia para protegerse del sol , y parece ajena al sufrimiento de las otras dos mujeres

 

 

                                                               Tamara Tamaral

                                                                   16-08-2016

 

Bibliografía . La Pintura de los Grandes Museos, Edit Planeta