LA NOVIA GUSTAV KLIMT

LA NOVIA 1918

La novia
óleo sobre lienzo 166 x 190 cm
colección particular 

El 6 de febrero de 1918 Klimt fallece de un ataque de apoplejía y en su estudio quedan varios cuadros sin concluir, entre ellos Adán y Eva o La novia. Gracias a estos trabajos podemos comprobar la manera de trabajar del maestro; al igual que Ingres o Degas, 

Klimt también situaba en sus cuadros a las figuras desnudas para luego ir recubriéndolas con los diversos paños coloreados, con formas y figuras puramente decorativas, recordando a los caleidoscopios por el empleo del color en pequeñas teselas, como si de un mosaico se tratara. No en balde, Klimt sentía profunda admiración por los mosaicos bizantinos de Ravena que inspirarán buena parte de sus trabajos.En algunas de sus últimas obras -La Virgen, El bebé o Muerte y vida- las figuras se arremolinan como en los trabajos para la Universidad, creando una composición piramidal en la que se elimina toda referencia a la perspectiva, situando las figuras en dos dimensiones

. Esta influencia del arte japonés será muy habitual en los retratos de la década de 1910 -véase Eugenia Primavesi o La Bailarina- tomada de los impresionistas y neo-impresionistas como Van Gogh.La figura de la novia aparece en el centro de la escena, apoyando su cabeza en el hombro del futuro esposo, recordando la postura de El Beso

. Sin embargo, la expresión de felicidad que vemos en el rostro de la joven no se corresponde con lo atormentado del gesto masculino, uno de cuyos brazos parece sujetar a la mujer que dirige su mirada hacia el espectador. ¿Sería una alusión a las infidelidades masculinas? ¿Querrá Klimt representar una vez más el erotismo y el ciclo de la vida? Independientemente del significado oculto de esta simbólica escena, nos encontramos ante una de sus obras más llamativas por el empleo de vivos colores, enlazados gracias a las ondulantes líneas que organizan el conjunto, demostrando una vez más la facilidad de Klimt para el dibujo.

Tamara Tamaral

15 septiembre 2022

Bibliografia : Artehistoria

CASAS EN ULTERACH A ORILLAS DEL LAGO GUSTAV KLIMT

                              CASAS EN ULTERACH A ORILLAS DEL LAGO 1910

Casas en Ulterach a orillas del lago
óleo sobre lienzo 110 x 110 cm
Osterriche Gallerie Wien

La localidad de Unternach a orillas del lago Atter será una de las principales fuentes de inspiración para los paisajes de Klimt. No olvidemos que pasaba en esta zona los veranos, en compañía de las hermanas Flöge, escapando del ajetreo de Viena y descansando de la presión que le suponían los plazos de entrega. Estas obras veraniegas pueden considerarse "experimentos", inventos ajenos a la obra figurativa que se convertirá en la parte principal de su producción.Para realizar estas vistas de las casas de Unternach utilizó una barca sobre la que colocó el caballete, para evitar ser molestado y poder captar rincones diferentes, más pintorescos, de la misma manera que hacía Monet. 

Los edificios se integran así en la naturaleza, interesándose el pintor vienés por integrar la creación humana en el paisaje ya que la figura está siempre ausente, al igual que en sus obras figurativas desaparece cualquier referencia al paisaje.Las casas apenas presentan perspectiva, creando el efecto de estar pegadas, recordando a la estampa japonesa y suponiendo un guiño de Klimt al cubismo.

 Las líneas de las edificaciones están muy marcadas, al igual que hacía el grupo de Gauguin en sus trabajos vinculados al "cloissonismo". Sin embargo, la pincelada recuerda al impresionismo al ser rápida y deshecha, acercándose en algunas zonas al puntillismo. Con todas estas referencias estilísticas, Klimt crea un estilo pictórico propio para sus paisajes y se convierte -en palabras de C.M. Nebehay- "en uno de los más importantes paisajistas de su época". La Iglesia en Unternach es otra de las vistas de esta serie.

Tamara Tamaral

15 septiembre 2022

Bibliografia : Artehistoria

VISTA DE ERAGNY DESDE MI VENTANA CAMILLE PISSARRO

VISTA DE ERAGNY DESDE MI VENTANA 1888

Vista de Eragny desde mi ventana
óleo sobre lienzo 65 X 81 cm
Museo Asmoleon Reino Unido 

Desde una ventana Pissarro captó este bello paisaje de Eragny sur Erpe. Por eso la perspectiva alzada está presente, siendo una constante en el pintor, como se observa en las escenas del Boulevard Montmartre o la Mañana en Rouen. 

El color ha sido aplicado con un estilo casi puntillista que caracteriza numerosos trabajos de la década de 1880 como Mujer en un huerto o la Cosecha de manzanas. Pissarro desea trasmitir los efectos lumínicos de un día concreto en una escena sin sombras, siguiendo la estampa japonesa. El color rojizo del tejado anima una composición llena de verdes salpicados de tonos amarillos.

Tamara Tamaral

15 septiembre 2022

Bibliografia : El Impresionismo Edi Taschen

EL CRITO VERDE PAUL GAUGUIN

El Cristo verde
óleo sobre lienzo 92 x 73 cm
Museo Royaux de Beaux Arts Belguique

Durante la estancia en Bretaña Gauguin se sintió atraído por numerosas cuestiones, entre las que destaca la religiosidad de sus gentes. Esto provocará que la temática religiosa sea la protagonista de numerosas escenas como La visión tras el sermón, El Cristo amarillo o ésta que contemplamos. Para realizar esta imagen se inspiró en un calvario de piedra recubierto de musgo que encontró en Nizon, cerca de Pont-Aven. 

Ejecutada en la misma fecha que El Cristo amarillo e inspirado en el Calvario de la iglesia de Nizon . Los tres personajes femeninos , al igual que el Cristo con su tono verde monocromo y con una pose hierática , para pertenecer a un grupo escultórico , y el tono oscuro que impregna la mitad derecha y el primer plano de la composición contrasta con la claridad del movimiento del campo que sirve de fondo abierto a un espumoso mar

 El pintor lleva a cabo en esta escena un importante proceso de sintetismo, eliminando elementos superfluos hasta quedarse con la imagen que transmita algo al espectador, para que su pintura tenga un sentido expresivo e intelectual, alejándose del goce puramente estético del Impresionismo.

Tamara Tamaral

14 septiembre 2022

Bibliografia : Gauguin Edit Taschen 

BOULEVARD DE MONTMATRE CAMILLE PISSARRO

                                        BOULEVARD DE MONTMATRE 1897

Boulevard de Montmatre mañana
óleo sobre lienzo 65 x 87 cm
Metropolitam Museum Nueva York

Pisarro presenta en esta escena el Boulevard Montmartre en una fría mañana de invierno en la que el sol intenta salir para calentar a transeúntes y casas. 

La visión es la misma que la empleada para mostrar la mañana grisácea, interesándose el pintor por los diferentes efectos atmosféricos según el momento elegido. El aire difumina los contornos de los edificios, sin perder el dibujo, aunque predominan los toques rápidos de color oscuro abundando los marrones, verdes y sienas del invierno.

 La sensación de perspectiva es destacada, eliminando las referencias del fondo con manchas grisáceas. La diagonal que organiza la composición sirve para acentuar esa perspectiva.

Tamara Tamaral

14 septiembre 2022

Bibliografia Artehistoria

LA QUINTA AVENIDA EN WASHINGTON SQUARE NUEVA YORK FREDERIC CHILDE HASSAM

                       LA QUINTA AVENIDA EN WASHINGTON SQUARE NUEVA YORK 1891

La quinta avenida en Washington Square , Nueva York
óleo sobre lienzo 56 x 40, 5 cm
Colección Carmen Thyssen

Cuando en 1889 Hassam regresa de París, se instala en el número 95 de la Quinta Avenida, a unos pasos de Washington Square, uno de los enclaves elegantes de más solera de la ciudad. Esta obra probablemente representa el edificio de piedra rojiza y tal vez la acera que pasaba por delante del estudio-vivienda del pintor. Eligió como lugar de residencia una parte de la Quinta Avenida que se parecía a los bulevares de París, con sus paseos de árboles. Cerca de aquel lugar, el Arco de Washington, diseñado por Stanford White, y que no tardaría en inaugurarse, recordaba el Arco de Triunfo de los Campos Elíseos. A principios de la década de 1890, Hassam pintó una serie de vistas de la Quinta Avenida bajo diferentes condiciones atmosféricas y pronto alcanzó popularidad con ellas. También ilustró un artículo sobre este tema escrito por Marianna G. Van Rensselaer que se publicó en The Century Magazine en 1893.

Durante sus dos estancias en Francia en la década de 1880, Hassam asimiló la técnica pictórica y el abrupto formato compositivo que sugería el ritmo de la vida urbana moderna utilizado por los pintores impresionistas y naturalistas franceses, que eran sus vecinos en Montmartre. Siguiendo la pauta de los artistas franceses, Hassam decía que su principal interés en estas escenas era captar «la humanidad en movimiento». En Quinta Avenida a la altura de Washington Square, las pequeñas y borrosas figuras humanas y los coches de caballos que pasan por la calle se ven desde una perspectiva algo elevada, hecho que tal vez se explique porque en aquella época el artista había optado por pintar mirando por la ventanilla de un coche de punto. Lo que desde allí alcanzaba a ver probablemente le ayudaba a enmarcar la composición, en la que destaca su evidente geometría y orden interno, cuidadosamente equilibrado; la intersección de las diagonales que dibujan la calzada, la acera y los altos árboles enmarcan las figuras y, por contraste, subrayan sus pequeñas dimensiones y su movimiento. La orientación vertical del lienzo resalta la bóveda que forman las copas de los árboles, que da a los elegantes paseantes una sensación de protección. La amplitud del trazado lateral de la avenida y del paseo también recuerda los bulevares de París. Hassam envuelve la escena en una delicada y centelleante luz dorada, que complementan los fríos verdes y azules de las sombras. Gran parte de la delicadeza y el encanto de la obra procede de las breves y ligeras pinceladas que reflejan la afición del pintor a la técnica del pastel.

Aunque Hassam asimiló la composición y la luz del Impresionismo de Monet, su modo de armonizar los colores y de deleitarse con la «belleza en sí misma» está en deuda con el esteticismo de Whistler. Hassam, al que los críticos de su época ya consideraban como exponente de una síntesis entre dos corrientes distintas, presenta en sus vivos y alegres cuadros una forma altamente estetizada e híbrida de Impresionismo, que los americanos acogieron con entusiasmo en la década de 1890 y en las primeras décadas del siglo XX.

Kathleen Pyne
 

AGOSTINA SEGATORI SENTADA EN EL CAFE DE TAMBOURIN VINCENT VAN GOGH

Agostina Segatori sentada en el café de Tambourin
óleo sobre lienzo 55 x 46,5 cm
Museo Van Gogh, Amsterdam

Van Gogh organizó dos exposiciones de sus cuadros en el Café du Tamborin, situado en el Boulevard Clichy, el eje de Montmartre. Estaba regentado por una famosa modelo italiana llamada Agostina Segatori, quien había posado para Corot y Degas en sus años mozos.

 Ahora se presenta como propietaria, posando apoyada en una de las típicas mesas en forma de pandereta que decoraban el local. Algunos especialistas consideran que Agostina fue durante un tiempo la amante de Vincent y que posaría desnuda para él, siendo la modelo del Desnudo femenino de espaldas. La figura se sitúa tras la mesa, observándose al fondo una de las paredes del café decorada con una estampa japonesa por la que sentían especial predilección los artistas del Impresionismo. 

Esta afición hacia lo oriental también se extenderá a la burguesía que empezó a decorar algunos de sus salones a la moda oriental; incluso los prostíbulos más famosos de París incluían entre sus salas los motivos exóticos procedentes de Oriente. Agostina tiene la mirada perdida, destacando la nostalgia de sus grandes ojos, preocupada por quién sabe qué cuestiones. Junto a ella observamos una jarra de cerveza y sujeto en su mano izquierda un cigarrillo, simbolizando así la integración de cierto grupo femenino en el ambiente nocturno parisino. Los tonos empleados por Vincent se han hecho más suaves que en el periodo de Nuenen acercándose al estilo de Degas o Toulouse-Lautrec. El efecto atmosférico característico de un local cerrado se aprecia claramente al difuminar el pintor los contornos.

Tamara Tamaral

15 agosto 2022

Bibliografia : Artehistoria